Nació en Urbino a finales del siglo XV. Autor de vida efímera ya que murió con 27 años, por lo que su obra se desarrolló en el primer cuarto del s.XVI, en el Cinquecento. A pesar de su corta vida nos ha dejado una fecunda producción ya que la mayoría de sus obras están coparticipadas con un gran numero de discípulos. Es uno de los grandes genios de la cultura universal, fundamentalmente por su gran dominio de la técnica pictórica. Si otros autores destacaron por su contenido iconográfico, su investigación cientifica,etc, en Rafael se aprecia un dominio de los recursos técnicos propios del arte pictórico. Su gran virtud estuvo en aprender de los grandes, sobre todo se fijó en los grandes maestros: Miguel Angel y Leonardo. No copio, sino que aprendió de ellos espiritualidad, recursos técnicos, sensibilidad, amor por la naturaleza, tratada siempre con su propia concepción del arte basada en la sencillez y el equilibrio. Fue un pintor fiel a lo real (realista), pero su obra apunta una clara finalidad idealizadora y simbólica, pues este principio platónico es compartido por el autor. Dibujante de una gran calidad, le da la misma importancia a éste como al color (Aunque este posee un poco más), en el que se consagra como un gran especialista. Rafael ha pasado a la historia como uno de los grandes maestros del color. Sus pigmentos son claros, finamente esmaltados, con lo que consigue un brillo propio su obra.
Predomina en él la línea curva por lo que la obra se dota de movilidad y ritmo. Su forma de trabajar es la precursora del academicismo posterior. El maestro diseña la obra ejecuta el trazado inicial y los aspectos problemáticos, dejando a sus discípulos el grueso de la obra, para dar después el retoque final.
En su efímera vida se distinguen varias etapas:
1º) Es su etapa inicial, pinta en su Urbino natal y en la ciudad de Perusa, donde tiene el taller Perugino. Sus figuras son redondeadas, blandas, delicadas, en ellos se les trata de introducir un aspecto mistico-religioso.

Los desposorios de la Virgen

En ella se aprecia la clara influencia de una obra similar del maestro Perugino que en la capilla Sixtina está realizada al fresco titulado "La entrega de llaves a San Pedro". La obra de Rafael se encuentra en la pinacoteca Breda de Milán. Sitúa en un primer plano a los personajes centrales en un gran espacio abierto, sobre un suelo enlosado que ayuda a proyectar mejor la pirámide visual que desemboca en una puerta que se abre en un fondo arquitectónico de segundo plano que es un templete circular, prototipo y modelo de arquitectura del Cinquecento ya que está inspirado en "San Pedro in mortori de Bramante". En un tercer plano sitúa un fondo de naturaleza basado exclusivamente en el cielo. Sus personajes presentan una figura estereotipada. Sus gestos parecen copiados de los de Perugino y el tema elegido es el de los desposorios y San José con la virgen en presencia del rabino. Tras la virgen las doncellas que la acompañan y tras San José los jóvenes casaderos que portan la vara de soltería. Los recursos técnicos y en especial los de la perspectiva se convierten en la obsesión del autor y ya se muestra como un gran dibujante y maestro del color.

2º) Etapa florentina

A pesar del ocaso de Florencia, sigue siendo el punto de referencia de los artistas del Norte de Italia. Su estancia es breve (1504-1508), pero intensa. Puede entrar en contacto con la obra de Miguel Angel y el propio Leonardo da Vinci. Se forja definitivamente como pintor, gana en aspecto cromático, su color se hace claro suave, más transparente, su pintura se hace más importante, incorpora la composición piramidal aprendida de Leonardo, busca la espiritualidad en sus personajes, en ésta época su producción es abundante en la que predomina madonnas y sagradas familias, pero su obra más famosa es La Virgen del Jilguero.

La virgen del Jilguero

Se encuentra en la ciudad de Florencia. Es la que sintetiza las características de esta cultura. En ella aparecen una profunda influencia de Leonardo da Vinci en su estructura piramidal, concebida por Leonardo y seguida por muchos autores, que ven en ella la mejor forma de jerarquizar y representar a los personajes del primer plano. Influencia de Leonardo también en el paisaje, una naturaleza viva, real, en continuo dinamismo y movimiento, sobre todo en el esfumato, esa atmósfera propia, envolvente que da profundidad al cuadro y que envuelve el fondo paisajistico con las figuras del primer plano. Se nos presenta a la virgen como una mujer de su época, joven, llena de amor, de ternura hacia su hijo y San Juan Bautista que desnudos o semidesnudos juegan con un jilguero, mientras que ella sostiene un libro abierto. La anatomía es todavía esa redondez blanda, pero que denota un gran conocimiento de la anatomía humana. Los colores son claros, suaves, transparentes, con dominio de lo cálido.
El paisaje de fono, estético, armonioso. Toda la composición se llena de un notable equilibrio y serenidad.

3º) Pero en el siglo XVI es Roma la ciudad que se convierte en el centro de la producción artística. El papa Julio II se convierte en el nuevo mecenas del arte italiano y a su corte se desplazan los mejores artistas de le época. Rafael es llamado por el propio Julio II para que le decore una de las estancias que precede a la capilla Sixtina. Llegó con tan solo 25 años, pero precedido por una merecida fama como pintor, mientras que él pinta una estancia, otros pintores (Lotto, Signorelli, Perugino) hacen lo mismo en otras. Miguel Angel se afama en pintar la bóveda de la Capilla Sixtina influyendo en el joven Rafael.

Es el más famoso de los frescos de las estancias de Rafael. En él la simbiosis entre Antigüedad y cristianismo (neoplatonismo) está plenamente conseguida, recogiendo el sentir del humanismo cristiano del que el papa Julio II y el propio Rafael son destacados. Recoge en su fresco el ambiente atemporal en una escuela de Filosofía griega donde la mente no encontraba ni la quietud, ni la paz, estaba en continuo movimiento, en búsqueda de la verdad; verdad que se busca a través del diálogo, del compartir ideas, del aprendizaje de los discípulos de las teorías de sus maestros. En un equilibrio estudiado sitúa a los grandes filósofos y pensadores de la Antigüedad a los que incorpora rostros contemporáneos de grandes artistas del Renacimiento.

 En el centro destaca la figura de Platón representado como un hombre mayor que con su dedo mirando al cielo nos indica la supremacía de las ideas. Junto a él Aristóteles que sostiene un libro de ética, mucho más joven y engreído, con su palma de la mano hacia la Tierra dando prioridad a la experiencia. A su lado Sócrates con sus dedos señala su silogismo, siendo escuchado por un grupo de discípulos entre los que destaca con su armadura Alejandro Magno. Delante de ellos el viejo Pitágoras desarrolla su teorema, copiado por un buen número de alumnos. En el lado opuesto Arquímedes desarrolla también sus teorías, en este grupo se representan el propio Rafael y su discípulo Sodoma.

Todo ello en una composición armónica equilibrada llena de ritmo y en una clara exaltación a la razón humana. Sitúa dicha escena en un fondo arquitectónico fácilmente reconocible, el proyecto que Bramante había realizado para la nueva basílica de San Pedro: Planta de cruz griega, bóvedas de cañón, crucero en el que soportan una amplia cúpula sobre pechinas, en un rico armazón constructivo de mármol en el que destacan esculturas de dioses paganos de clara influencia clásica.

La Fornarina de Rafael Sanzio

Un lienzo de Ingres, grabados de Picasso, versos de Alberti... Durante años, la relación entre el artista del Renacimiento Rafael Sanzio y su modelo Marguerita Luti, La Fornarina, ha inspirado a pintores y poetas. De hecho, su imagen de musa y amante contribuyó a forjar, en el siglo XIX, el mito romántico en torno al italiano. Pero un trabajo publicado recientemente en 'The Lancet' ha revelado algo menos lírico acerca de esta pareja: el retrato que el pintor hizo de su concubina muestra que ésta padecía un tumor de mama.

Este cuadro, pintado entre 1518 y 1519, podría ser la imagen más antigua de la enfermedad. «El cáncer mamario se ha retratado en el arte antes que en la ciencia médica», estima el autor de esta investigación, Carlos Hugo Espinel. No es la primera vez que este especialista, del Departamento de Medicina de la Universidad de Georgetown (EEUU), tiene como pacientes a personajes en dos dimensiones. Tras diagnosticar gota al Miguel Ángel de La escuela de Atenas, artritis reumatoide a un ángel de Caravaggio o rosácea a Rembrandt, este experto ha reconocido a La Fornarina, un lienzo que ya había despertado la extrañeza de los expertos.
Algunos críticos habían destacado que el cuerpo de La Fornarina tiene defectos y no responde a los cánones de belleza de la época renacentista ni a los de las mujeres que habitualmente retrataba Rafael (sus delicadas madonnas), mientras que otros habían sugerido que la pintura está incompleta, ya que en algunas zonas la textura carece de la suavidad acostumbrada. Así, a diferencia de la mama derecha (donde no se aprecia el trabajo del pincel), el pecho izquierdo presenta contrastes de colores y las pinceladas son más grandes y visibles.
«Éstas eran técnicas innovadoras que introdujo Rafael, quizá para responder a las complejidades de una descripción clínica», sostiene Espinel, quien detalla cinco signos que «son compatibles con el diagnóstico de cáncer»: un bulto en el seno izquierdo (encima del índice de la modelo), una retracción de la mama bajo el mismo, la decoloración de la piel, una ligera protuberancia en la axila y una hinchazón del brazo.
Sin embargo, Juan José Grau, jefe de sección de Oncología Médica en el Hospital Clínic de Barcelona, opina que «el retrato tiene pocas probabilidades de ser un cáncer de mama».
De los signos clínicos que detalla Espinel, sólo parece relevante el bulto, «y es probable que se formase por la postura de la modelo», añade este especialista, para quien es mucho más claro el caso de Las tres Gracias (fechado en 1636) de Rubens, donde la enfermedad «es algo que se puede ver a simple vista» en la modelo de la derecha.
Además de un signo directo (un tumor con úlcera en la mama izquierda) la hija de Zeus presenta otras señales indirectas de la patología, como enrojecimiento, retracción del pezón y disminución de la mama, así como unos pliegues en la axila, indicio de que el cáncer afectaba ya a los ganglios.

Raphael (1483-1520)
The Stanza della Segnatura Ceiling: The Judgment of Solomon
Fresco, 1510-1511
47 1/8 x 41 1/4 inches (120 x 105 cm)
Stanza della Segnatura, Palazzi Pontifici, Vatican
 

Después de haber examinado más de 1.500 lienzos en los que aparecían mujeres mostrando los senos, hace dos años Grau publicó en Medicina Clínica un trabajo sobre el tema, en el que analizaba la mencionada obra, junto con dos cuadros más de Rubens y otros tantos de Rembrandt.
En el caso de este último, su obra Betsabé con la carta de David también muestra claramente un tumor. De hecho, «sabemos que la segunda mujer del pintor [que fue la modelo de este cuadro] falleció tras una larga agonía, que podría coincidir con un cáncer de mama», precisa Grau.
La enfermedad de Betsabé ya había sido comentada en un trabajo publicado en 1970 en la revista Ospedali d’Italia-Chirurgia. Desde entonces, varios trabajos han descrito la misma patología en otras obras. El análisis de trastornos en el arte «está cobrando interés en los últimos años», aclara Grau. Así, en 2000 el New England recogía una carta en la que dos investigadores estadounidenses evaluaban la escultura de Miguel Ángel La Notte. «La inusual apariencia del pecho es intencional. Creemos que Miguel Ángel inspeccionó cuidadosamente a una mujer con cáncer de mama avanzado y reprodujo fielmente los signos físicos en la piedra», apuntan los autores.
No parece que ninguno de los casos mencionados haya sido fruto de la casualidad.«Rafael mostró La Fornarina como la veía. Habría sido fácil disimular la deformación. En vez de eso, su mano sobre el pecho izquierdo, el índice apuntando a la masa... Ella señala el cáncer», escribe Espinel. Los artistas «sabían lo que era anatómicamente normal y lo que no. Expresamente estaban pintando algo malo», opina Grau.
Y es que, aunque por entonces los tumores se atribuían a los malos humores —y no a una proliferación celular anormal—, «en la Edad Media y el Renacimiento el cáncer de mama era perfectamente conocido y se identificaba con una muerte temprana». De hecho, ya Hipócrates y Galeno habían hablado de la enfermedad hace más de 2.000 años.
Sin embargo, Espinel recuerda que dos textos científicos del siglo XVI, «con clásicas ilustraciones de hallazgos médicos, no contienen representaciones del cáncer de mama. Fue en el XVII cuando se recogió lo que se considera la primera descripción que diferenciaba los tumores de pecho cancerosos de los benignos. La pintura de Rafael precede al informe científico en un siglo. También se anticipa a todas las representaciones relatadas de esta enfermedad en el arte. El retrato es, de este modo, una evidencia gráfica muy inicial, quizá la primera, de cáncer de mama».