Los desposorios de la Virgen

En ella se aprecia la clara influencia de una obra similar del maestro Perugino que en la capilla Sixtina está realizada al fresco titulado "La entrega de llaves a San Pedro". La obra de Rafael se encuentra en la pinacoteca Breda de Milán. Sitúa en un primer plano a los personajes centrales en un gran espacio abierto, sobre un suelo enlosado que ayuda a proyectar mejor la pirámide visual que desemboca en una puerta que se abre en un fondo arquitectónico de segundo plano que es un templete circular, prototipo y modelo de arquitectura del Cinquecento ya que está inspirado en "San Pedro in mortori de Bramante". En un tercer plano sitúa un fondo de naturaleza basado exclusivamente en el cielo. Sus personajes presentan una figura estereotipada. Sus gestos parecen copiados de los de Perugino y el tema elegido es el de los desposorios y San José con la virgen en presencia del rabino. Tras la virgen las doncellas que la acompañan y tras San José los jóvenes casaderos que portan la vara de soltería. Los recursos técnicos y en especial los de la perspectiva se convierten en la obsesión del autor y ya se muestra como un gran dibujante y maestro del color.

2º) Etapa florentina

A pesar del ocaso de Florencia, sigue siendo el punto de referencia de los artistas del Norte de Italia. Su estancia es breve (1504-1508), pero intensa. Puede entrar en contacto con la obra de Miguel Angel y el propio Leonardo da Vinci. Se forja definitivamente como pintor, gana en aspecto cromático, su color se hace claro suave, más transparente, su pintura se hace más importante, incorpora la composición piramidal aprendida de Leonardo, busca la espiritualidad en sus personajes, en ésta época su producción es abundante en la que predomina madonnas y sagradas familias, pero su obra más famosa es La Virgen del Jilguero.

La virgen del Jilguero

Se encuentra en la ciudad de Florencia. Es la que sintetiza las características de esta cultura. En ella aparecen una profunda influencia de Leonardo da Vinci en su estructura piramidal, concebida por Leonardo y seguida por muchos autores, que ven en ella la mejor forma de jerarquizar y representar a los personajes del primer plano. Influencia de Leonardo también en el paisaje, una naturaleza viva, real, en continuo dinamismo y movimiento, sobre todo en el esfumato, esa atmósfera propia, envolvente que da profundidad al cuadro y que envuelve el fondo paisajistico con las figuras del primer plano. Se nos presenta a la virgen como una mujer de su época, joven, llena de amor, de ternura hacia su hijo y San Juan Bautista que desnudos o semidesnudos juegan con un jilguero, mientras que ella sostiene un libro abierto. La anatomía es todavía esa redondez blanda, pero que denota un gran conocimiento de la anatomía humana. Los colores son claros, suaves, transparentes, con dominio de lo cálido.
El paisaje de fono, estético, armonioso. Toda la composición se llena de un notable equilibrio y serenidad.

3º) Pero en el siglo XVI es Roma la ciudad que se convierte en el centro de la producción artística. El papa Julio II se convierte en el nuevo mecenas del arte italiano y a su corte se desplazan los mejores artistas de le época. Rafael es llamado por el propio Julio II para que le decore una de las estancias que precede a la capilla Sixtina. Llegó con tan solo 25 años, pero precedido por una merecida fama como pintor, mientras que él pinta una estancia, otros pintores (Lotto, Signorelli, Perugino) hacen lo mismo en otras. Miguel Angel se afama en pintar la bóveda de la Capilla Sixtina influyendo en el joven Rafael.

 En el centro destaca la figura de Platón representado como un hombre mayor que con su dedo mirando al cielo nos indica la supremacía de las ideas. Junto a él Aristóteles que sostiene un libro de ética, mucho más joven y engreído, con su palma de la mano hacia la Tierra dando prioridad a la experiencia. A su lado Sócrates con sus dedos señala su silogismo, siendo escuchado por un grupo de discípulos entre los que destaca con su armadura Alejandro Magno. Delante de ellos el viejo Pitágoras desarrolla su teorema, copiado por un buen número de alumnos. En el lado opuesto Arquímedes desarrolla también sus teorías, en este grupo se representan el propio Rafael y su discípulo Sodoma.

Todo ello en una composición armónica equilibrada llena de ritmo y en una clara exaltación a la razón humana. Sitúa dicha escena en un fondo arquitectónico fácilmente reconocible, el proyecto que Bramante había realizado para la nueva basílica de San Pedro: Planta de cruz griega, bóvedas de cañón, crucero en el que soportan una amplia cúpula sobre pechinas, en un rico armazón constructivo de mármol en el que destacan esculturas de dioses paganos de clara influencia clásica.

La Fornarina de Rafael Sanzio

Un lienzo de Ingres, grabados de Picasso, versos de Alberti... Durante años, la relación entre el artista del Renacimiento Rafael Sanzio y su modelo Marguerita Luti, La Fornarina, ha inspirado a pintores y poetas. De hecho, su imagen de musa y amante contribuyó a forjar, en el siglo XIX, el mito romántico en torno al italiano. Pero un trabajo publicado recientemente en 'The Lancet' ha revelado algo menos lírico acerca de esta pareja: el retrato que el pintor hizo de su concubina muestra que ésta padecía un tumor de mama.

Este cuadro, pintado entre 1518 y 1519, podría ser la imagen más antigua de la enfermedad. «El cáncer mamario se ha retratado en el arte antes que en la ciencia médica», estima el autor de esta investigación, Carlos Hugo Espinel. No es la primera vez que este especialista, del Departamento de Medicina de la Universidad de Georgetown (EEUU), tiene como pacientes a personajes en dos dimensiones. Tras diagnosticar gota al Miguel Ángel de La escuela de Atenas, artritis reumatoide a un ángel de Caravaggio o rosácea a Rembrandt, este experto ha reconocido a La Fornarina, un lienzo que ya había despertado la extrañeza de los expertos.
Algunos críticos habían destacado que el cuerpo de La Fornarina tiene defectos y no responde a los cánones de belleza de la época renacentista ni a los de las mujeres que habitualmente retrataba Rafael (sus delicadas madonnas), mientras que otros habían sugerido que la pintura está incompleta, ya que en algunas zonas la textura carece de la suavidaz acostumbrada. Así, a diferencia de la mama derecha (donde no se aprecia el trabajo del pincel), el pecho izquierdo presenta contrastes de colores y las pinceladas son más grandes y visibles.
«Éstas eran técnicas innovadoras que introdujo Rafael, quizá para responder a las complejidades de una descripción clínica», sostiene Espinel, quien detalla cinco signos que «son compatibles con el diagnóstico de cáncer»: un bulto en el seno izquierdo (encima del índice de la modelo), una retracción de la mama bajo el mismo, la decoloración de la piel, una ligera protuberancia en la axila y una hinchazón del brazo.
Sin embargo, Juan José Grau, jefe de sección de Oncología Médica en el Hospital Clínic de Barcelona, opina que «el retrato tiene pocas probabilidades de ser un cáncer de mama».
De los signos clínicos que detalla Espinel, sólo parece relevante el bulto, «y es probable que se formase por la postura de la modelo», añade este especialista, para quien es mucho más claro el caso de Las tres Gracias (fechado en 1636) de Rubens, donde la enfermedad «es algo que se puede ver a simple vista» en la modelo de la derecha.
Además de un signo directo (un tumor con úlcera en la mama izquierda) la hija de Zeus presenta otras señales indirectas de la patología, como enrojecimiento, retracción del pezón y disminución de la mama, así como unos pliegues en la axila, indicio de que el cáncer afectaba ya a los ganglios.
Después de haber examinado más de 1.500 lienzos en los que aparecían mujeres mostrando los senos, hace dos años Grau publicó en Medicina Clínica un trabajo sobre el tema, en el que analizaba la mencionada obra, junto con dos cuadros más de Rubens y otros tantos de Rembrandt.
En el caso de este último, su obra Betsabé con la carta de David también muestra claramente un tumor. De hecho, «sabemos que la segunda mujer del pintor [que fue la modelo de este cuadro] falleció tras una larga agonía, que podría coincidir con un cáncer de mama», precisa Grau.
La enfermedad de Betsabé ya había sido comentada en un trabajo publicado en 1970 en la revista Ospedali d’Italia-Chirurgia. Desde entonces, varios trabajos han descrito la misma patología en otras obras. El análisis de trastornos en el arte «está cobrando interés en los últimos años», aclara Grau. Así, en 2000 el New England recogía una carta en la que dos investigadores estadounidenses evaluaban la escultura de Miguel Ángel La Notte. «La inusual apariencia del pecho es intencional. Creemos que Miguel Ángel inspeccionó cuidadosamente a una mujer con cáncer de mama avanzado y reprodujo fielmente los signos físicos en la piedra», apuntan los autores.
No parece que ninguno de los casos mencionados haya sido fruto de la casualidad.«Rafael mostró La Fornarina como la veía. Habría sido fácil disimular la deformación. En vez de eso, su mano sobre el pecho izquierdo, el índice apuntando a la masa... Ella señala el cáncer», escribe Espinel. Los artistas «sabían lo que era anatómicamente normal y lo que no. Expresamente estaban pintando algo malo», opina Grau.
Y es que, aunque por entonces los tumores se atribuían a los malos humores —y no a una proliferación celular anormal—, «en la Edad Media y el Renacimiento el cáncer de mama era perfectamente conocido y se identificaba con una muerte temprana». De hecho, ya Hipócrates y Galeno habían hablado de la enfermedad hace más de 2.000 años.
Sin embargo, Espinel recuerda que dos textos científicos del siglo XVI, «con clásicas ilustraciones de hallazgos médicos, no contienen representaciones del cáncer de mama. Fue en el XVII cuando se recogió lo que se considera la primera descripción que diferenciaba los tumores de pecho cancerosos de los benignos. La pintura de Rafael precede al informe científico en un siglo. También se anticipa a todas las representaciones relatadas de esta enfermedad en el arte. El retrato es, de este modo, una evidencia gráfica muy inicial, quizá la primera, de cáncer de mama».

Al final de su vida inicia un cuadro, inacabado, siendo terminado por uno de sus discípulos. Es un cuadro de grandes dimensiones en el que se aprecia la influencia espiritualista de Miguel Angel sobre Rafael. Sus años de trabajo próximo han dado lugar a que el manierismo iniciado por Miguel Angel encuentre eco en este cuadro, siendo su única obra tachada de manierista.
Titulada la transfiguración se aprecian en el mismo cuadro dos escenas diferentes. En la parte superior la transfiguración de Jesús en el monte Tagor y en la inferior un niño endemoniado.
En la escena superior sobre un paisaje con influencia de Leonardo aparece Jesús destacado porque tras él ha situado un foco de luz interior, mientras que sus apóstoles sorprendidos, en posturas forzadas, asisten al milagro desde la cima del monte Tagor. Sin continuidad histórica, ni cronología en la parte inferior se sitúa la escena del niño endemoniado, liberado de los demonios en presencia de una muchedumbre. Capta Rafael más que el milagro en sí, las pasiones y sentimientos de la gente. Los ojos son el reflejo del alma interior y asisten a ese milagro con actitudes diversas. El color, las pinturas, el dibujo, la luz, son elementos técnicos propios de Rafael presentes en el cuadro.

Se encuentra en la ciudad de Florencia. Es la que sintetiza las características de esta cultura. En ella aparecen una profunda influencia de Leonardo da Vinci en su estructura piramidal, concebida por Leonardo y seguida por muchos autores, que ven en ella la mejor forma de jerarquizar y representar a los personajes del primer plano. Influencia de Leonardo también en el paisaje, una naturaleza viva, real, en continuo dinamismo y movimiento, sobre todo en el esfumato, esa atmósfera propia, envolvente que da profundidad al cuadro y que envuelve el fondo paisajistico con las figuras del primer plano. Se nos presenta a la virgen como una mujer de su época, joven, llena de amor, de ternura hacia su hijo y San Juan Bautista que desnudos o semidesnudos juegan con un jilguero, mientras que ella sostiene un libro abierto. La anatomía es todavía esa redondez blanda, pero que denota un gran conocimiento de la anatomía humana. Los colores son claros, suaves, transparentes, con dominio de lo cálido.
El paisaje de fono, estético, armonioso. Toda la composición se llena de un notable equilibrio y serenidad.

3º) Pero en el siglo XVI es Roma la ciudad que se convierte en el centro de la producción artística. El papa Julio II se convierte en el nuevo mecenas del arte italiano y a su corte se desplazan los mejores artistas de le época. Rafael es llamado por el propio Julio II para que le decore una de las estancias que precede a la capilla Sixtina. Llegó con tan solo 25 años, pero precedido por una merecida fama como pintor, mientras que él pinta una estancia, otros pintores (Lotto, Signorelli, Perugino) hacen lo mismo en otras. Miguel Angel se afama en pintar la bóveda de la Capilla Sixtina influyendo en el joven Rafael.

SABÍAS QUE…

Rafael Sanzio nació en Urbino, Italia, el 06 de febrero de 1483?

Según la costumbre, a los nombres se les agregaba el lugar de nacimiento, de modo que el nombre completo del pintor renacentista era: Rafael Sanzio (o Santi) de Urbino?

Fue hijo del pintor Giovanni Santi, de quien adquirió los primeros elementos en su formación pictórica?

Al parecer, también estudió pintura con Timoteo Viti, en su ciudad natal, cuya influencia la plasmó Rafael en numerosas y delicadas miniaturas?

El pintor Perugino fue maestro de Rafael cuando éste, a los 16 años, marchó a Perugia, en Umbría?

Como alumno del pintor Perugino, Rafael llegó a pintar con un estilo tan semejante al de su maestro, que algunas obras atribuidas al entonces joven pintor, han suscitado controversias?

De la Umbría, se dirige a Florencia en 1504, y se dedica a estudiar la obra de los grandes pintores de la época: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fray Bartolomeo, contemporáneos suyos?

De sus contemporáneos aprendió la metodología que éstos aplicaban en el manejo de las luces y sombras, sus conocimientos anatómicos, así como las actitudes dramáticas plasmadas en sus obras?

La influencia recibida durante esta etapa (florentina), determinó que Rafael modificara su manera de pintar, así, de las composiciones geométricas y la perspectiva pasa a una pintura más suave y natural?

En el Entierro de Cristo, Rafael muestra la notable influencia de Miguel Ángel, en cuanto a la distribución y actitudes de los cuerpos, considerando la anatomía de los mismos?

Rafael tomará de Leonardo, el equilibrio de la composición triangular y las expresiones de calma y tranquilidad?

La etapa romana de Rafael se inicia en 1508 cuando el papa Julio II, requiere su presencia en la ciudad santa, para encargarle la decoración de cuatro estancias en el palacio vaticano?

En el techo de la primera estancia (della Segnatura), Rafael pintó las alegorías de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia?

Siguiendo una estructura acorde con los temas del techo, bajo la Teología, pinta Disputa del sacramento, donde plasma la controversia sobre el dogma de la trinidad?

La escuela de Atenas, corresponde a la pared que se relaciona con la Filosofía y representa a los filósofos griegos, en sus debates?

En la pared del Parnaso, se encuentra el dios Apolo, rodeado de musas y poetas , en correspondencia con la Poesía?

Bajo la Justicia, puede verse a Gregorio IX aprobando los Decretables?

Rafael y sus discípulos decoran la segunda estancia (de Heliodoro), con pasajes que aluden a las victorias de la Roma católica sobre sus adversarios?

Al morir el papa Julio II, en 1513, asciende al papado León X y éste nombra a Rafael, maestro mayor de la basílica de San Pedro en 1514?

Un año después, el mismo papa lo nombra director del trabajo arqueológico a realizar en Roma y lugares aledaños?

El intenso trabajo que tenía Rafael bajo su responsabilidad, le impidió terminar personalmente las pinturas de la tercera y cuarta estancias, labor efectuada por sus discípulos, con los bocetos primarios y la supervisión del pintor renacentista?

Para la Capilla Sixtina, Rafael elaboró los dibujos correspondientes a los hechos de los apóstoles?

El artista abordó los temas más diversos en su obra: escenas religiosas, grandes composiciones históricas o mitológicas, hasta pequeños cuadros y retratos?

Rafael Sanzio fue atacado por la fiebre palúdica que lo llevó a la tumba, cuando apenas tenía 37 años?

SABÍAS QUE EN MÉXICO…

Entre 1517 y 1521 se llevaba a cabo la conquista de la Gran Tenochtitlan por Cortés, mientras en Roma, Rafael Sanzio, pintaba casi al mismo tiempo, 1517-1520. su obra la Transfiguración, obra que dejó inconclusa y fue terminada por su discípulo Giului Romano?

Los temas pictóricos del siglo XVI fueron básicamente de carácter religioso, temas que inciden con parte de la obra de Rafael, aunque en la pintura novohispana se conjugaban elementos prehispánicos y españoles?

Maddalena degli Oddi encargó a Rafael la ejecución de un retablo para la iglesia de San Francisco en Perugia presidido por la Coronación de la Virgen. En la predela se ubicarían la Anunciación, la Adoración de los Magos y la Presentación de Jesús en el Templo. El estudio preparatorio de la Anunciación que aquí contemplamos apenas tiene diferencias con el trabajo definitivo, mostrándose una perfecta perspectiva a través del embaldosado suelo y la logia que se abre al fondo, completado con un paisaje. Hasta la figura de Dios Padre entre los arcos aparece en esta escena, mostrando Sanzio un excelente dibujo que manifestará a lo largo de toda su carrera

En 1502 Maddalena degli Oddi encargó a Rafael un retablo para la capilla funeraria de su familia en la iglesia de san Francisco en Perugia. El retablo consta de una tabla central en la que se representa la Coronación de la Virgen y una predela dividida en tres tablas que recogen historias de la Virgen: la Anunciación, la Adoración de los Magos y la Presentación en el Templo. El mayor arcaísmo de la tabla central será superado en estas tres obras, apareciendo una mayor admiración hacia la arquitectura, encontrándose referencias a Masaccio e incluso Mantegna.Posiblemente en esta Anunciación que contemplamos se muestre con nitidez esa admiración hacia la perspectiva arquitectónica que Rafael manifiesta después de su viaje a Florencia, desarrollando la escena en una amplia estancia con baldosas de colores, columnas clásicas, arcos de medio punto y bóvedas de cañón. Las dos figuras están iluminadas por una potente luz resaltando el colorido brillante de sus ropajes destacando sus acentuados pliegues. Un paisaje abierto al fondo refuerza la sensación de profundidad, apareciéndose la figura de Dios Padre en el arco de la izquierda.

Frente a la Liberación de san Pedro encontramos la Misa de Bolsena, situándose ambas en las paredes con ventanas de la Estancia de Heliodoro por lo que los dos asuntos tienen figuras alrededor del hueco de la ventana, tomando así un papel destacado en el conjunto. Esta pared había sido decorada inicialmente por Piero della Francesca, empleando Sanzio como temática uno de los episodios de los "Hechos de los Apóstoles". En el centro de la composición encontramos la cárcel donde estaba preso san Pedro, destacando el enrejado que permite ver al santo y a los soldados dormidos junto al fulgurante ángel que liberará al apóstol. En la zona de la derecha se presenta la continuación de la historia al mostrarnos a san Pedro junto al ángel descendiendo por las escaleras de la prisión mientras que en la zona contraría observamos a los soldados despertándose sobresaltados ante la fuga. La liberación del santo está relacionada con los sucesos acaecidos en 1512 cuando las tropas francesas liberaron sin motivo aparente los territorios pontificios que tenían en su poder lo que Julio II agradeció con una peregrinación de tres días por las calles de la ciudad pontificia. La iluminación se convierte en la protagonista absoluta de este trabajo, creando reflejos en las armaduras de gran belleza. El ángel aparece rodeado de un aura luminosa en las dos escenas que está presente mientras que los soldados de la zona izquierda cuentan con tres focos de luz: la luna plateada, el sol que empieza a despuntar y una antorcha, creándose efectos que enlazan con el Manierismo y el Barroco. Los escorzos de los soldados y la tensión contenida en el episodio de la izquierda indican la valía de Sanzio en el momento de su máximo esplendor, reelaborando las influencias tomadas en Florencia -Leonardo, Miguel Ángel y Fra Bartolomeo- para crear un estilo personal y tremendamente efectista. En esta pared también hallamos intervenciones de los ayudantes, apuntándose a Giulio Romano.

El formato circular para los cuadros fue recuperado por los artistas del Renacimiento italiano, que lo relacionaban con las medallas clásicas. Desde luego, el tondo que contemplamos concentra la mirada del espectador e impide que pueda distraerse con elementos complementarios. Pero, del mismo modo, fuerza la composición para que se adapte a la superficie. Rafael encuentra así una manera muy efectiva de reunir las tres figuras. La Virgen - sentada en una silla de donde le viene el nombre - acuna en su regazo al Niño e inclina su cabeza sobre él en un gesto al mismo tiempo cariñoso y protector. Junto a ellos, San Juanito une sus manitas en oración, probablemente anticipándose a los futuros acontecimientos que les llevarán a la muerte a ambos. La escena resulta de esta manera impregnada de una dulce melancolía. Este tondo impactó a Ingres, quien lo copió y reprodujo sus modelos insaciablemente. De hecho, la figura femenina, tomada de la supuesta amante de Rafael, fue usada por Ingres en sus propios cuadros.