Un niño Prodigy en arte, Juan Everett Millais entró en las escuelas reales de la academia en la edad 11, y exhibido en el RA de la edad 17. Allí él hizo amigos primero con la caza de Holman , y luego Rossetti , y estos tres fundaron a fraternidad de Pre-Raphaelite en 1848. Millais movido rápidamente desde un mannerist a un estilo realista en armonía con el Pre-Raphaelite ideal, y fue entrenado por Juan Ruskin que lo llevó a Escocia a la pintura en 1853. Millais produjo el retrato más bien conocido del crítico famoso en 1854, e incidentemente casó a esposa de Ruskin después de que fuera la última unión annulled. (ella era el modelo para la esposa del soldado en la orden del lanzamiento ).

Los cuadros de Millais incluyen Cymon e Iphigenia , Lorenzo e Isabella , su primera imagen de Pre-Raphaelite, la tienda del carpintero (derided mucho por Charles Dickens), Ferdinand engañado por Ariel , Ophelia , con Elizabeth Siddall, una esposa más última de Rossetti, en el papel del título, y posteriormente el Vale del resto y del otoño se va .

Él prosperó en la academia real, el ARA que se convertía desde 1853, entonces el RA y finalmente, en el año de su muerte, presidente de la academia . Sin embargo, su arte llegó a ser más popular, y él dio vuelta a los cuadros de las señoras de la sociedad, de las pequeñas muchachas, y de los amantes de moda. Su St Isumbras en el Ford , demostrando al caballero y a dos niños del oversweet en un caballo de gran tamaño, indujo al Frederick joven Sandys que dibuje un caricature famoso que ofrece Millais como la caza del caballero, de Rossetti y de Holman como los niños, y el burro como Juan Ruskin.

Millais era también ilustrador notable durante el 1860s, y trabajó mucho más constantemente en este medio que la mayoría del otro Pre-Raphaelites. Sus ilustraciones importantes incluyen seises para el amo de la música de Allingham , 18 para Tennyson de Moxon , dos para los poetas de Willmott del diecinueveavo siglo y 40 en la granja de Orley de Trollope . La granja de Orley en hecho apareció originalmente en forma serial en el compartimiento de Cornhill , y hay ilustraciones más futuras de Millais en este compartimiento, en buenas palabras , en una vez por semana y en otros periódicos.

Red Riding Hood

El trabajo de Millais se puede considerar en la galería de Tate ( Ophelia y el Vale de resto ), Birmingham ( la muchacha oculta ), Manchester ( el otoño se va ), Liverpool ( Lorenzo e Isabella en la galería de arte del walker ), la luz del sol portuaria ( St Isumbras en el Ford y el Brunswicker negro en la señora Lever Gallery ), y en el museo de Ashmolean , Oxford ( vuelta de la paloma a la arca ). La novia de Lammermoor está en Bristol . El convalecientes y el Brighteyes están en la galería de arte de Aberdeen. Los retratos de Millais se pueden ver en la galería nacional del retrato . Un trabajo muy temprano, antes de que Millais se convirtió en un Pre-Raphaelite, es adentro levantó .

Vida y obra

Millais nació en Southampton, en el seno de una prominente familia originaria de Jersey. Su prodigioso talento para el arte le valió una plaza en las escuelas de la Royal Academy con sólo once años. Durante su permanencia en esta institución, conoció a William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, con quienes fundó la Hermandad Prerrafaelita en 1848.


Obras del período prerrafaelita

El cuadro de Millais Cristo en casa de sus padres (1850) fue objeto de controversia a causa del retrato realista de una Sagrada Familia de clase obrera trabajando en un desordenado taller de carpintería. Otras obras posteriores de Millais fueron también polémicas, aunque no tanto. Consiguió el éxito con Un hugonote (1852), que representa a una joven pareja a punto de separarse a causa de sus diferencias de religión. El artista repetiría este mismo tema en obras posteriores.

Todas sus obras de este período están realizadas con gran atención por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural. En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza. Este procedimiento ha sido descrito como una especie de "ecosistema pictórico".

Dicho estilo fue promovido por el crítico John Ruskin, quien había defendido a los prerrafaelitas de sus críticos. A través de su amistad con Ruskin, Millais conoció a la esposa de éste, Effie Gray, quien poco después posó para el cuadro de Millais, The Order of Release. Millais y Effie terminaron enamorándose, y en 1856, tras conseguir ella la anulación de su matrimonio con Ruskin, contrajeron matrimonio.


Obras posteriores
Tras su matrimonio, Millais cambió su estilo de pintura, haciéndolo más comercial y asequible, lo que Ruskin calificó de "una catástrofe". Según algunos comentaristas, los motivos de este cambio se encuentran en la necesidad de Millais de aumentar sus ingresos para mantener a su creciente familia. Antiguos correligionarios de Millais, como William Morris, lo acusaron de venderse para conseguir dinero y popularidad. Sus admiradores, en cambio, vieron en el cambio de su pintura la influencia de Whistler y del impresionismo. Millais, por su parte, explicó su cambio de estilo como consecuencia de su evolución como artista, que le permitía intentar un estilo más audaz. En su artículo "Pensamientos sobre el arte de hoy" ("Thoughts on our art of Today") (1888) proponía a Velázquez y Rembrandt como sus principales moderlos.


El paso del Noroeste (1874)En cuadros como La víspera de Santa Agnes y La sonámbula se hace evidente la influencia de Whistler. Otras obras de los años 1860 pueden interpretarse como parte del Aesthetic Movement. En muchos de ellos despliega amplios bloques de color armoniosamente ordenados. Posteriormente, en los años 1870, pintó obras en las que queda patente la influencia de Rembrandt. Entre estas últimas destacan El paso del Noroeste (1874) y la Juventud de Raleigh (1871). En estos cuadros se observa el interés de Millais por temas tales como la expansión del Imperio Británico y la exploración del globo. Su último proyecto fue un cuadro que representaba a un explorador blanco yaciendo muerto en el veldt africano, contemplado con indiferencia por dos africanos. También es destacable en esta época su interés por la pintura de paisajes, para la que prefería lugares desolados e inhóspitos. El primero de estos cuadros paisajísticos, Chill October (1870) fue realizado en Perth, cerca de la casa natal de su esposa. En Pertshire pintó otros muchos cuadros cerca de Dunkeld, a donde Millais iba cada otoño para cazar y pescar. Tuvieron también gran popularidad sus cuadros protagonizados por niños, como Bubbles (1886) famoso (quizá por desgracia), por haber sido utilizado en los anuncios de la sopa Pears y Cherry Ripe.


Ilustraciones
Millais alcanzó un éxito notable como ilustrador de libros, sobre todo de las obras de Anthony Trollope y los poemas de Alfred Tennyson. Sus ilustraciones de las parábolas evangélicas se publicaron en 1864. Su suegro encargó la realización de unas vidrieras basadas en las mismas para una iglesia de Perth.


Carrera académica
Millais fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts en 1853, y poco después fue admitido como miembro de pleno derecho. En la Academia tuvo una muy activa participación. En 1885 se le otorgó el título de baronet, siendo el primer artista en obtener un título hereditario. Tras la muerte de Frederic Leighton en 1896, Millais fue elegido presidente de la Academia, pero falleció ese mismo año de cáncer de garganta.
 

 "En las aguas profundas que acunan   las estrellas, blanca y cándida,
Ofelia flota como un gran lirio, flota tan lentamente, recostada en sus velos..."
                                                            

                                                               Rimbaud

             La infeliz y enigmática Ofelia shakespeariana, fuente inagotable de inspiración artística, literaria y filosófica, sedujo a Millais, quien forjó una reinterpretación pictórica realmente sobrecogedora. Si bien el tema central de la obra es el mito ofeliano, el melancólico escenario natural que lo enmarca es admirable. El entorno es frondoso y brillante en colorido, de suerte que no resulta opresivo a pesar de ser testigo de la tragedia. Este paraje apropiado para su inspiración y capturado de manera fidedigna lo había encontrado el pintor tras una ardua búsqueda, acompañado de su amigo Hunt, cerca de Ewen en un remanso del río Hogsmill.

La figura de Ofelia está desapareciendo bajo las “gimientes” y sosegadas aguas, que son lo suficientemente diáfanas como para no ocultar a nuestra vista sus brazos y torso parcialmente inmersos. Su hermoso rostro está ahora ausente en un gesto patético que conmueve profundamente. Los ojos inanimados, los labios entreabiertos, inertes y las manos en actitud de ofrenda, dejando escapar unas flores. La parte inferior de su cuerpo parece estar ya sumergida, permaneciendo en la superficie las piezas más vaporosas del pesado vestido, que al igual que sus largos cabellos, parecen resistirse a desvanecerse para siempre. Lógicamente, la imagen poética de Ofelia está muy alejada de la que correspondería a la macabra realidad de un ahogamiento. Parece estar destinada a fluir disuelta en el agua, pero a la vez tangible e incorruptible, para, como sugiere Bachelard, aparecerse por siglos a los soñadores y a los poetas, flotando en su río. Junto a ella sobrenadan las flores que había recogido. Flores que están modeladas con una precisión y una minuciosidad asombrosas. Algunos críticos contemporáneos del autor no encontraron encanto alguno en esta pulcritud realista de Millais; su exuberancia naturalista les parecía una complacencia innecesaria e indolente, un desacierto que hurtaba eficacia dramática a la protagonista de la historia. Nada más lejos de la realidad. El conjunto de la composición es soberbio, y a pesar de eso nada impide que cuando nos encontramos con el lienzo la mirada se desvíe empática e ineludiblemente hacia la desdichada.

Ya en los prolegómenos del fatal desenlace de Ofelia, ésta recurre a las plantas para transmitir sus cuitas a Gertrudis. Con intención incierta le ofrece unas hierbas reputadas entonces por sus efectos beneficiosos, pero también por su efectos abortivos, el hinojo y la ruda, a la que además se le atribuía eficacia para exorcizar demonios, y también palomilla, una planta que a altas dosis resulta igualmente tóxica: “…hinojo para vos, y palomillas y ruda... para vos también, y esto poquito es para mí. Nosotros podemos llamarla yerba santa del Domingo,... vos la usaréis con la distinción que os parezca...”. En tono mordaz y atormentado denuncia la muerte de su padre Polonio a manos de Hamlet: “…Ésta es una margarita. Bien os quisiera dar algunas violetas; pero todas se marchitaron cuando murió mi padre. Dicen que tuvo un buen fin...”.  Tras la desaparición de Ofelia, una vez más, los personajes evocan mediante este recurso estilístico lo que no se atreven a verbalizar. Gertrudis, al relatar a Laertes el desgraciado episodio, lleva a escena las flores que supuestamente Ofelia ha recogido antes de precipitarse al río y que tienen una trágica carga simbólica.

Millais no hizo sino mantenerse fiel al artificio alegórico shakesperiano. Violetas enguirnaldadas abrazan el cuello de la joven, siendo estas flores un icono de la desesperanza y de la muerte prematura. Flotando en el agua hay esparcidos: pensamientos, alegoría del amor no correspondido, y amapolas, símbolo del adormecimiento y la muerte. También vemos: nomeolvides, ulmarias, ortigas, narcisos, margaritas, coronas imperiales, lirios, adonis, dedos de muerto… incorporados no como aderezos pueriles, sino como metáforas tanto de los defectos de Hamlet como de los sentimientos taciturnos de Ofelia. Que Millais hubiera prescindido de esta abundancia iconográfica o que no se hubiera esmerado en su reproducción hubiera sido incoherente.

La muerte de Ofelia en la obra de Shakespeare es fuente de un perpetuo ejercicio especulativo, pues el hecho luctuoso no sucede en escena. Es narrado por boca de Gertrudis, quien explica que ha caído involuntariamente al río y en su desvarío se ha dejado llevar: “…Llegada que fue, se quitó la guirnalda, y queriendo subir a suspenderla de los pendientes ramos; se troncha un vástago envidioso, y caen al torrente fatal, ella y todos sus adornos rústicos. Las ropas huecas y extendidas la llevaron un rato sobre las aguas, semejante a una sirena, y en tanto iba cantando pedazos de tonadas antiguas, como ignorante de su desgracia, o como criada y nacida en aquel elemento. Pero no era posible que así durase por mucho espacio. Las vestiduras, pesadas ya con el agua que absorbían la arrebataron a la infeliz; interrumpiendo su canto dulcísimo, la muerte, llena de angustias”. El accidente se transmuta en acto deliberado en el acto V, en la conversación de los sepultureros “¿Y es la que ha de sepultarse en tierra sagrada, la que deliberadamente ha conspirado contra su propia salvación?”. A los ojos del criticismo en general y el poético en particular, los tristes avatares de su vida, su estado delirante, y el mismo sentido lírico hacen más apetecible la tesis de la muerte suicida, más por abandono que por acción.

La pintora, poetisa y arquetipo estético prerrafaelista Elisabeth Eleanor Siddal, fue la paciente modelo de esta obra magistral, en interminables sesiones en las que posaba sumergida en una bañera con un precioso vestido antiguo que el pintor había encontrado para la figuración. Según cuenta el hijo de Millais en su obra biográfica sobre su progenitor, un día no se pudo calentar el agua y Elisabeth enfermó durante varios días. El padre de la artista se enfadó considerablemente con el pintor, requiriéndole una satisfacción económica. Lo cierto es que una vez recuperada del enfriamiento “acuático” no volvió a trabajar para Millais. Parece que Lizzie padeció frecuentes problemas de salud. Según relatan los biógrafos prerrafaelistas estuvo aquejada de un trastorno del ánimo. Ésta y otras circunstancias, como su difícil relación con Rossetti, le habrían inducido a consumir láudano en exceso. En varias referencias se especula sobre el padecimiento de una posible tuberculosis, si bien su fallecimiento, cuando sólo tenía 32 años, suele atribuirse al consumo de una dosis excesiva de la tintura de opio. La identificación “poética” entre Ofelia y Siddal ha sido tentadora, y abundan las referencias al posible suicidio de la artista, si bien el único dato cierto es el de su certificado de defunción, donde figura “muerte accidental” como causa.

Ahora tenemos la oportunidad de contemplar en la Fundación “la Caixa” de Madrid el maravilloso cuadro de Millais, y rememorar el sugerente personaje de Ofelia. Está a nuestro alcance junto con muchas otras joyas paisajísticas de los prerrafaelistas, algunas de ellas nunca expuestas con anterioridad.

* Elizabeth Siddal


Elizabeth Eleanor Siddal Rossetti (25 de julio de 1829 - 11 de febrero de 1862) fue una pelirroja modelo británica, retratada extensivamente por los artistas de la Hermandad Prerrafaelita, desempeñándose también como poeta y artista. Esposa del pintor, poeta, traductor e ilustrador inglés Dante Gabriel Rossetti, fue su modelo en múltiples ocasiones. Fallece en 1862 , apenas a los 33 años ,por suicidio con láudano.

http://www.unc.edu/~hallybur/siddall6.html

Amor Muerto: Elizabeth Siddal.

Balbuceado por Aelfwine

Por alguna virtud difícil de conceptualizar, Elizabeth Eleanor Siddal, con todas sus imperfecciones y ternuras, es una de las poetisas victorianas que más logran conmoverme. Supongo que parte de esa fascinación proviene de su capacidad para evocar las más profundas desdichas con palabras simples, justas.
Junto a ella nunca seremos testigos de inoportunos excesos: sus versos tienen una precisión quirúrgica, ciertamente ominosa; como si despreciase todos los artificios y refinamientos de su época. Elizabeth Siddal (Lizzie para los íntimos) puede ser terrorífica, deliciosamente brutal cuando se lo propone; y sus lamentos, lejos de ser una enumeración enciclopédica de penas y resentimientos, son elegantes y profundamente solemnes. Sus poemas no deben ser vistos como la obra de un pensamiento errático o nebuloso, sino la culminación de una idea sólida, completa. En resumen, cuando ella tiene algo para decir, conviene prestarle atención.

Con el poema de hoy veremos los rasgos fundamentales de Elizabeth Siddal: la ironía del desencuentro entre dos amantes, la fría resignación de quien sabe que su amor es real, y a la vez, imposible.
Creo que nuestros lectores, especialmente aquellos que fueron víctimas del desengaño, encontrarán en este poema un reflejo de sus propias desdichas.



Amor Muerto.
Dead Love, Elizabeth Eleanor Siddal.


Nunca llores por un Amor muerto,
Ya que rara vez el Amor es verdadero.
Él cambia sus ropas del rojo al azul,
Y del más brillante azul al rojo,
El Amor ha nacido a una muerte temprana,
Y su realidad es apenas un despojo.

Entonces no ancles tu sonrisa
En su pálido rostro descarnado,
Para exhalar el más profundo de los suspiros.
Las palabras justas en labios sinceros
Pasarán, y sin dudas morirán;
Y tu estarás solo, mi querido,
Cuando se desaten los vientos invernales.

Nunca lamentes aquello que no puede ser,
Pues este Dios no regala dones.
Si este pobre sueño de amor fuese nuestro,
Entonces, querido, estaríamos en el Cielo,
Pero aquí sólo hay campos muertos,
Donde el verdadero amor jamás es cierto.

 

Elizabeth Eleanor Siddal.

Es un cuadro oscuro, pero a la vez lleno de colorido, que le quita importancia a uno de los tópicos sobre los que se preocuparon más los románticos: la muerte. La presentan como algo bello; hay un contraste brutal entre lo oscuro y esos colores tan vivos. Sorprende la posición en que se encuentra Ofelia, sobre todo la de las manos, como si nos ofreciera algo, y, también, el gesto de su rostro.

En esta impactante pintura podemos encontrar toques del yo heroico: Ofelia se cae al lago, parece ser que accidentalmente, mientras está recogiendo unas flores, se ahoga y se une con la naturaleza. Esta manera de morir, tan “ridícula”, por decirlo de alguna manera, hace pensar en el hilo tan fino que separa la vida de la muerte y en como todos podemos fracasar cuando menos nos lo esperemos. También podemos intuir rasgos del yo apasionado: sólo hay que ver los colores que se usan y la figura de la misma Ofelia. El yo desbordante también aparece. Por un lado, encontramos ese lugar tan lleno de vida y, por el otro, esa bella mujer, muerta, y con una mirada indescriptible, que parece que esté soñando en un mundo más allá de los límites humanos, imaginándose todo aquéllo que no ha podido tener en vida.

Es un cuadro sorprendente, impactante, lleno de sentimiento romántico, que transmite un punto de vista de la muerte escalofriante y lo contrasta con la belleza de la naturaleza.