Los Duchamp eran una familia burguesa y aficionada a las artes. No es casual que sus tres hijos varones -Gaston (conocido como Jacques Villon), Raymond y Marcel acabaran siendo famosos artistas decantados, además, por las incipientes corrientes vanguardistas que irrumpieron con fuerza en la escena francesa de la segunda década del siglo. Marcel, el menor, nació en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, y en 1906, antes de cumplir los veinte años, ya está en Montll!artre, en pleno meollo del París artístico. Al tiempo que empieza a pintar, publica caricaturas y dibujos humorísticos en la prensa, avanzando así una veta decisiva en toda su insólita obra posterior: el humor, la ironía y la parodia.   El grupo de Puteaux Desnudo bajando una escalera, 1912. Retirado de los Independientes de 1912 y aclamado el año siguiente en Nueva York, este cuadro establece ya claras distancias entre Duchamp y el cubismo. En 1908 se muda a Neully, población cercana a la capital donde residirá en casi todas sus estancias parisinas. Ese año expone por primera vez en el Salón de los Independientes, foro por excelencia, junto con el de Otoño, de las últimas tendencias artísticas. Hasta 1911 explora todas las propuestas pictóricas que le ofrece el panorama moderno, desde los jirones del posimpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar finalmente en el cubismo, que empieza a cobrar presencia pública. Desde el año anterior, sus hermanos vienen convocando informales reuniones dominicales en su estudio de Puteaux, donde Marcel coincide con Kupka, de la Fresnaye, Picabia y Archipenko. De allí nacería una facción más o menos definida al exponer todos juntos en la sala 43 de los Independientes de 1911, a la que se ha dado en llamar grupo de Puteaux. Frente al cubismo ortodoxo de Gleizes, Metzinger, Le Fauconnier o Gris, los artistas de Puteaux representan una vertiente más conceptual, que cuaja en la fundación en 1912 de la Section d'Or, cuya exposición se celebra en otoño en la galería de la Boétie. Los parecidos y diferencias entre unos y otros son sutiles y complejos, pero las tensiones se ponen de manifiesto en los Independientes de ese año, cuando Duchamp retira su Desnudo bajando una escalera ante la abierta hostilidad mostrada por Le Fauconnier hacia el cuadro.   Influencia futurista   La novia, 1912 Ese mismo año Duchamp asiste con Picabia y Apollinaire a la representación de Impressions d'Afrique, obra teatral de Raymond Roussel cuya delirante fantasía maquinista les causa gran impresión. Marcel pasa algún tiempo en Munich trabajando en pinturas centradas en el movimiento entendido como tránsito entre dos estados. Sus pinturas no se venden y se emplea en la biblioteca de Santa Genoveva, donde estudia tratados de perspectiva, geometría y matemáticas. La incomprensión parisina se torna éxito resonante en Nueva York, en cuya Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913 --conocida como Annory Show- cuelga el Desnudo junto a otras tres significativas obras de este periodo. Como consecuencia, Duchamp viaja a Nueva York en 1915. Ya por entonces había acusado la influencia del futurismo que venía de Italia desde 1910 y, sobre todo, de Dadá, el más radical de los frutos de la vanguardia florecido en 1914 en el Cabaret Voltaire de Zurich. En Nueva York cuenta con el apoyo del matrimonio Arensberg, en adelante los mayores coleccionistas de su obra, y su reencuentro americano con Picabia o la relación con personajes como Beatrice Wood y el fotógrafo Man Ray refuerzan la orientación dadaísta. Nueva York, un aire Dadá El gran vidrio, 1915-1922 A tono con esa nueva corriente, Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del objeto "estéticamente anestesiado". Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidrio. Duchamp trabajó en ella desde 1915 hasta 1923, dándola entonces por "definitivamente inacabada". Con el Gran Vidrio -una pintura que empieza a dejar de serIo, pero también un mecanismo virtual- finaliza oficialmente su carrera como pintor, aunque en 1918 acaba Tu m' , una suerte de diorama anamórfico que resume los ready-mades hechos hasta entonces. Desde principios de los años veinte, Duchamp vive a caballo entre Nueva York y París. En la ciudad americana protagoniza iniciativas de inequívoco aire dadá como las revistas The Blind Man y Rongwrong, fundadas en 1917 y que no sobrepasan el segundo número, o New York Dada, publicada con Man Ray en 1921. De entonces data su alter ego Rrose Sélavy, que aparece por primera vez en la etiqueta del ready-made Belle Haleine, y la Société Anonyme Inc. , creada en 1920 con Katherine Dreier y Man Ray para promover y organizar exposiciones de arte moderno. Emblema moderno Ëtant donnés, 1948-1949 Duchamp compatibiliza su peculiar dedicación artística con el ajedrez, que llegó a practicar de forma semiprofesional. Además de los ready-mades construye máquinas ópticas e interviene en películas de Man Ray, Picabia y Hans Richter, entre las que destaca Anemic Cinema (1925). A lo largo de los años treinta y cuarenta mantiene estrechas relaciones con André Breton y los surrealistas, para los que realiza el montaje de distintas exposiciones -como la famosa Exposición Internacional del Surrealismo de París, en 1938- o la Puerta Gradiva (1937), para la galería del mismo nombre fundada por Breton. Entre 1946 y 1966 trabaja de forma reservada en Étant donnés, una instalación que no se conocerá públicamente hasta después de su muerte y que constituye su gran legado, al mismo nivel del Gran Vidrio. En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos, donde tuvo gran influencia en la escena artística de los años cincuenta y sesenta, tanto sobre pintores como Rauschenberg y Jasper Johns como sobre el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham. En Europa también es perceptible su huella en las prácticas artísticas no convencionales de grupos como Fluxus o lo que se dará en llamar "arte de acción". Cuando muere en Neully, en 1968, el carácter axial de su figura en el arte de nuestro siglo está ya plenamente reconocido.

ARCEL CUCHAMP


EL INCORREGIBLE REVOLUCIONARIO

Josefina Sánchez de Frangoulides

http://www.canaltrans.com/arte/mercurio/duchamp.html

"Los dos pintores que han ejercido mayor influencia en nuestro siglo son Pablo Picasso y Marcel Duchamp. El primero por sus obras y el segundo por una obra que es la negación misma de la moderna noción de obra" Octavio Paz

o es de ninguna manera mi intención la de sonar grosera o que se me malinterprete. Pero debo decirlo: a mi, Marcel Duchamp me robó una idea. Puede sonar duro o petulante pero es taxativamente así. Por aquí, el lector avispado se estará preguntando cuál fue el pecado cometido por este señor para merecer tamaña acusación...pero, momento...que ya paso a explicar.

Hace algún tiempo, en una de esas mañanas en las que el genio que me habita se hizo presente, se me ocurrió una idea. Luego de miles de cuestionamientos logré llevarla a cabo, la terminé (cosa realmente inusual) y la convertí en una obra que expuse y muchos, que al igual que yo "no sabían", hasta me felicitaron. La gran idea: utilizar una rueda de bicicleta para intentar rodar una estructura circular, símbolo de la cocina de mi casa, alegoría de la rutina doméstica. Me convertí así en una especie de paradigma para las miembras de agrupaciones de housewifes emancipadas gracias a las lavadoras automáticas, los microondas y los colegios de jornada completa. Tuve algo más que mis quince minutos de fama correspondientes y los disfruté, hasta que...apareció el primer papanatas que me dijo las horribles palabras:

- Eh! Pero esa idea ya la había llevado a la práctica Marcel Duchamp en 1913 y, con una cruel sonrisa de placer, me pasó una fotocopia gastada que decía: "En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina. Unos meses más tarde compré una reproducción barata de un paisaje de atardecer invernal, que llamé "Farmacia" tras haberle añadido dos breves toques, uno rojo y el otro amarillo, al horizonte. En Nueva York, en 1915, compré en una quincallería una pala de nieve sobre la que escribí: "En previsión de brazo roto" ("In advance of the broken arm").

Fue por esa época cuando se me ocurrió la palabra "ready-made" para designar esta forma de manifestación" (M. Duchamp) Las pruebas estaban a la vista (con fotito y todo) y sin querer significar nada, ni reivindicar a la mujer ama de casa, a ese "tipo" se le había ocurrido también. ¿Pero cómo es posible que me hayan robado una idea aún antes que mis padres nacieran? No sé como, pero que me la robó...me la robó (y encima la patentó antes que yo) convirtiéndose así en el artista que hizo posible la vanguardia artística. Desde el dadaísmo hasta la performance; desde el arte conceptual al minimalismo; desde el pop-art, hasta las instalaciones actuales, los happening de los sesenta, la música concreta...Nada de todo esto hubiese sido posible sin la impronta precursora de Duchamp. Por eso, y porque no me gusta que me roben, es que hoy quiero hablar de este "inventor" de un arte nuevo: del anti-arte. El ready-made, objetos "ya hechos" que arrancados de su contexto y función específica fueron pensados para no entrar en ninguna de las categorías aceptadas en el mundo del arte. De todos ellos, el abanderado, el que marcó una nueva estrategia fue su "Fuente": un mingitorio de porcelana que envió firmado con el seudónimo de Richard Mutt, oblando los seis dólares obligatorios para la inscripción a una exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de New York, de la cual no sólo era socio fundador, sinó también jurado. Cuando ese misterioso objeto llegó al Grand Central Palace, los jurados escandalizados, lo rechazaron de inmediato sin siquiera comunicar al tal Mutt, las argumentaciones de tal decisión. Pero Marcel Duchamp estaba allí, junto al jurado, así que se enteró y supongo también que en cierto punto lo gozó.

Este hecho reaccionario, brillante, imaginativo y rebelde, no hay dudas que dividió al arte en dos partes: por un lado toda una concepción estética sustentada en cuatro siglos de humanismo y por el otro, una cuestión fundamental para las letras y el pensamiento del siglo XX: la pérdida del sentido, el apartarse deliberadamente de la apariencia externa.

En la excelente biografía que Calvin Tomkins realizó sobre Duchamp, lo llama "el anartista", un exacto juego de palabras: el anti-artista, en definitiva lo que el mismo Duchamp decidió ser luego de haber realizado obras monumentales cambiando el clásico tema de la figura en reposo, investigado en el movimiento y la idea de máquina humana. Con su "Desnudo descendiendo por una escalera", y con "El Gran vidrio" (una obra en la que trabajó durante diez años, realizada sobre un soporte de vidrio donde recupera los principios de perspectiva y trata las figuras como una proyección de una cuarta dimensión invisible) demostró que ese "anartista" era capaz de pintar lo que le viniese en ganas: desde un cuadro convencional, hasta la maravillosa representación del tiempo y el movimiento fragmentados. Duchamp se dio el gusto, el gran gusto de renunciar, de volver, de abandonarlo todo, de seguir produciendo, de vivir en el límite mismo de su vida como una verdadera obra cotidiana y en el filo, haciendo, demoliendo, importándole nada si genio o fraude si arte o que. Jamás se cuestionó que era arte, simplemente lo generó eclipsando a figuras como Picasso, Bretón, Apollinaire y Picabia.

Un artista que se dio el tiempo de hacer, el de no hacer (como cuando Warhol, en uno de sus demenciales films lo registro con su cámara durante veinte minutos, sentado, fumando un puro e imperturbable) Un artista que reaccionó a tiempo y en la cúspide se su carrera dijo: - Hasta aquí he llegado, ya no pinto más - y no por rebeldía sino por algo mucho más difícil de reconocer, - simplemente, ya no tengo más ideas -, Porque en definitiva de eso se trata...de ideas, de invenciones...y a mi, me robó una (que esto quede bien claro, por favor!)

Una vez dijo: - "El peligro sigue siendo gustar al público más inmediato, ése que te rodea y por último te ensalza y te confiere éxito. Quizá necesitemos esperar cincuenta o cien años para encontrar nuestro verdadero público, el único que a mi me interesa" Tal vez esperando, es que se retiró tempranamente dejando las puertas abiertas a esa vanguardia tal como es entendida hoy, o al menos, como su público la entiende. Sin él no hubiesen existido Andy Warhol, John Cage, la Velvet Undergrownd, Paul Morrisey ni ninguno de aquellos que inauguraron el arte moderno de los 60' Y si no fuese por la idea que me plagió impunemente, yo no estaría ahora escribiendo esta nota y no tendría la oportunidad de reconocer a uno de los más grandes, rendirle mi homenaje y..., por supuesto, perdonarlo, perdonarle todo.